"si no hubieramos actuado asi, no estaría usted aqui, muchachito"

me invitaron a participar en una colectiva con motivo de los 40 años del 2 de octubre del 68, hacia mucho que no pintaba, apenas habia hecho un par de pequeños formatos para colectivas de miniarte, pero la idea de un cuadro grande me animó, ya que el formato máximo era de 80 x 120 cm.

andaba dándole vueltas a la idea del cuadro, -un grito era seguro, iba de acuerdo con mi estado de ánimo, con mi trabajo "reciente" y con el tema de la expo- cuando le platiqué a una tía sobre el proyecto y lo que pensaba hacer, ella me contó algo sobre el asunto y recordó algo que dijo Díaz Ordaz a un reportero cuando este lo cuestionó sobre lo ocurrido:

"si no hubieramos actuado asi, no estería usted aqui, muchachito"

en ese momento supe que utilizaría esa frase en mi cuadro, y eventualmente se convirtió en su título.

>la muestra se inaugura el 2 de octubre en Casa Frisac

copiar o no copiar... versionar o no versionar... y gritos

este post, que no es un post sino varios comments tiene su origen en el blog de odette, y en específico aqui

y estos son mis puntos de vista:

"...yo no soy tan drástica al respecto, en mi serie de ESPACIO CATARTICO me valí de bocetos, fotos de otros y fotos mias para los cuadros, por que no podia tener un modelo gritando (muy cansado) y tampoco me latía sacarlo de la imaginación. sé a quienes te refieres en este post, y respecto de ellos creo que seria mejor que se liberaran de la copia.

ahora, recordemos que también copiamos con fines didácticos, como mis modiglianis, que por muy bien que estén nunca expondria, pero incluso tú tuviste tu epoca de "copias" con LOS CARDENALES, y eran tan buenos que los llegaste a exponer.

en resumidas cuentas a lo que voy es a que no hay que ser maniqueo, de todo se aprende, y en el arte casi todo se vale, como bien dices, veamos a vincent

***
no podía recordar el nombre MANZU.... y me siguen gustando tus versiones. igual que admiro tanto lo que ha hecho tomás con fotos de escultores como ZUÑIGA y MOORE en fin, no juzguemos, sigamos pintando lo que inspire, que el producto de la inspiración, venga de donde venga, es lo que vale.

***
respecto a las copias... "copias" creo que en mucho de los casos son reinterpretaciones o versiones y eso siempre tendra mérito... en caso de ser copias tal cual sólo serían un mero ejercicio de virtuosismo técnico pero nada más.

***
ah... respecto a la pregunta de la composicion en espejo de la version de millet de van gogh no la puedo contestar como diseñadora gráfica, pues ahora lo soy tanto como tu arquitecta. como pintora que si soy desde hace mucho creo que no tiene importancia, es una reinterpretacion libre que ha creado una obra totalmente nueva e independiente a la de millet, pero quizá revisando las cartas de vincent podemos encontrar el por que de este "cambio"

***
...se que opinas de los gritos, y eso es lo hermoso del arte, hay para todos los gustos, a mi no se me hacen bonitos mis gritos, ni son para que le gusten a la gente... son MI catarsis, y el que a ti te provoquen volotear al lado contrario más que ofenderme me halag, logro mi cometido, transmitir una emoción, un choque, una sacudida... de eso tratan esos gritos.

de la copia, creo que quizá valdria la pena hacer la distinción entre copia y versión... cuales son los límites entre ellas. yo aveces recurro a fotos como herramienta, no siento en absoluto que este "copiando", simplemente utilizo imágenes que sirven para un propósito específico.

en fin que este asunto puede verse desde múchos ángulos... igual podemos acabar hablando del mito de la caverna de PLATON... todos copiamos una realidad que existe sólo en el mundo de las ideas, por que igual los modelos del natural (con los que yo también trabajo) no son más que un reflejo en la pared de la caverna.

...esto ya es un post.

carnalitá

"Norma Ascencio, pittrice messicana, collega il suo lavoro alla grande scuola espressionista, ma ciò che decide di esprimere non è l’ansia, l’angoscia del vivere, ma la gioia, collegandosi ad alcune esperienze di Cezanne e di Matisse. I colori, forti e contrastanti, creano visioni di nudi rossi, gialli, viola che emergono da pennellate forti e decise attraverso le quali l’artista racconta il suo amore per l’umano, esaltandone la bellezza, l’armonia, il vigore, nei quali echeggia una visione del corpo quasi michelangiolesca."

Norma Ascencio, pintora mexicana, conecta su trabajo a la gran escuela expresionista, pero eso que decide expresar no es la ansiedad, angustia del vivir, si no la felicidad, uniendose a algunas experiencias de Cezanne y Matisse. Los colores, fuertes y contrastantes, crean una vision de desnudo roja, amarilla, morada que emergen de pinceladas fuertes e decididas a traves de las cuales la artista cuenta su amor por el ser humano, exaltando la belleza, la armonía, el vigor, con una visión del cuerpo casi migelangelica.

Marina Zatta
curadora Soqquadro
roma, IT

Trad. Yeni Vázquez

VENDIDO!

"Autorretrato Azul"

Estuvo durante un buen rato puesto en la sala de mi casa, junto con un retrato que me hizo hace años un amigo de mi papá... las dos visiones juntas, como me ve "el otro" y como me veo yo. Siempre me "asustó" un poco la mirada de este cuadro, aunque la reconocía totalmente mía, quizá eso era lo que me impresionaba, verme tan dura y saber que asi era. soy. a veces.

Cuando estaba haciendo las cédulas para la expo pensé en poner "colección particular" en vez de un precio, por un lado por que de entrada los retratos son difíciles de vender (a no ser por encargo) así que mas aún un autorretrato, y por el otro por ser un cuadro que le gusta mucho a mi mamá y tambien a mi, pero finalmente le puse precio, pensando que de cualquier modo no se vendería, menos aún en una colectiva.

Pero se vendió!

A una señora totalmente desconocida para mi y ajena al círculo de pintores, le gustó... me dijo que lo vió y supo que tenía que ser para ella, que le resultaba hermoso (yo jamás pensé que fuera nada semejante a ese calificativo) y que si se lo podía llevar YA!. Le dije que tenia queestar expuesto mientras durara la muestra, pero que al terminar con gusto se lo entregaba (la verdad es que ni con tanto gusto), asi que rauda y veloz fue a "extorsionar" a su marido para darme para el anticipo y que así quedara apartado el cuadro.

me dió mucho gusto y mucha nostalgia esta venta. estaba muy apegada a ese cuadro, pero como a los hijos hay que dejarlos volar cuando les llega el momento.

... se que va a tener un buen hogar!

"botellas y posillo"

"botellas y posillo"
- norma ascencio -
acrílico / papel
65 x 50 cm

estas las pinté el lunes, aunque en teoría en el taller de coyoacán estoy haciendo puro abstracto, no me pude resistir al ver que habian puesto una composición de botellas, y es que me encantan! o será la abstinencia la que hará que se me antoje más pintarlas?

ni idea,

pero el resultado me gustó... los tonos suaves, la paleta restringida a ocre, azul plomo y blanco, los pocos "espatulazos" para definir cada objeto (en especial la botella de vino del fondo), y el ambiente en general.

creo que expondré este cuadro en la colectiva del 26 de abril. me gustó me gustó.

... como ven?

jimenas, la sesión del 6 de abril

Llegué a esta sesión un poco tarde, por lo que no pude tener el lugar que me gusta. Pensé que no sería tanto el problema, me pondría los lentes y quedaría resuelto el asunto de la distancia y probablemente sería bueno tener una perspectiva mas abierta de la modelo, y así fué... el problema fué otro que no habia contemplado, la composición.

pou que la composición? bueno, pues resulta que prácticamente en todas las poses la modelo estuvo volteando a la derecha... en todas su cuerpo se dirigía a la derecha, de modo que al hacer mis composiciones por grupos resultaba bastante dificil lograr un equilibrio. Ese fue el reto de esa sesión.

el resultado final no me complació... sólo con uno de los grupos quedé mas o menos satisfecha, pero bueno, no todo se puede lograr en una sesión.



para ver los otros dibujos del grupo da click en este link.

showdown at saatchi gallery

http://www.saatchi-gallery.co.uk/showdown/index.php?showpic=14217

"jimenas"... los dibujos del viernes pasado

Estas 3 tintas las hice durante la sesión de dibujo del viernes pasado. hacia tiempo que no hacia tintas... no en el sentido estricto, ya que generalmente utilizaba plumón de gel o pluma atómica junto con la tinta china, pero esta vez traté de ponerme tradicional, saqué mi papel fabriano, mi plumilla, brochas y tinta china negra... y a darle!

esta técnica la utilizo desde que empecé formalmente con esto de la pintada, hace ya unos 7 años (como pasa el tiempo!) y mi estilo siempre ha sido muy definido... lineas precisas y lo más continuas que puedo... no me gusta repasar trazos, me gustan las líneas impecables, aunque esto produzca algunas veces "errores" en las proporciones, pero ante todo son lineas sinceras. las sombras que doy con las aguadas ya es algo secundario en mi obra.



el problema que implican para mi las tintas es mi eterno pleito con las plumillas, desde que estudiaba diseño y hasta el día de hoy batallo con ellas, no logro que me rinda la tinta y eso me frustra ya que me gusta la línea continua y odio repasar trazos... es por eso que generalmente utilizo otros medios para tirar lineas, pero bueno, si no practico la plumilla nunca la voy a lograr dominar, o mejor aún, hacerme su amiga.


en esta sesión el problema que me plantee fue la composición. las diferentes poses de la modelo las fui ubicando en mi papel imaginando que al final quedara un grupo armónico de figuras, esto es divertido y aveces angustiante dado que nunca sabes que tipo de poses serán las siguientes. durante el proceso trabajé alternadamente en los 3 papeles, buscando en cada pose nueva un lugar para ella dentro de esos 3 grupos.

al final me gustó el resultado, creo que seguiré trabajando en grupos y composición por un rato... y con tinta.

...creo que me voy desentumiendo en el dibujo.

reinauguración de kunstartext

Después de un año de abandono de este blog hoy lo reinauguro.

en su primera etapa la idea fué que este sería un espacio para subir citas y textos sobre arte escritos principalmente por otros. luego comencé a subir convocatorias y boletines de prensa con la idea de compartir con los colegas, pero la realidad es que sólo no acudían a él, por lo que el trabajo de hacerlo terninó por no valer la pena...

y lo abandoné!

ahora lo abro de nuevo un poco a causa de Odette, que está escribiendo sobre arte en su blog y me ha animado a hacerlo también, asi que en este nuevo espacio seguiré con las citas, pero también subiré mis textos, no en un formato tipo "foro de arte" sino un poco a manera de bitácora personal, en la que pretendo hablar de mi experiencia frente al arte como creadora y como observadora... y ya veremos que deriva de ello.

el blog kunstarte seguirá siendo una vitrina de lo que voy creando, por lo que en él no escribo, sólo comparto mi trabajo plástico.

bueno pues, bienvenidos!

la recherche d’un instant…

"Le trait de Norma est subtil et sûr, mettant l’emphase sur la forme qui s’approfondie avec douceur dans la recherche.
Le travail qu’elle nous propose est le produit d’un effort honnête dans la technique, de plaisir profond dans l’exercice et d’une fidélité avec l’essence du personnage.
Son renouvellement constant dans différents ateliers a renforcé la sûreté du trait tout comme la présentation plastique de ses oeuvres, provocant chez le spectateur une intimité avec le travail présenté, ce qui conduit à une appréciation plus claire.
Son cheminement personnel se transpose sur le papier, en offrant une vision harmonieuse d’un monde chaotique, des corps et des visages à la recherche d’un instant d’attention pour nous communiquer leurs secrets.
Indiscutablement, Norma appartient aux Arts Plastiques comme les nuages appartiennent au ciel. La magie se renouvelle chaque fois que l’air de la création surgit pour nous offrir des nouvelles figures et ainsi nous surprendre dans sa métamorphose."

Omar Alexis

poeta, editor de la revista "Helios" y host del show "foco latino" en Montreal, CA.

búsqueda de un instante y espacios sonoros

"L’art de Norma Ascencio complète merveilleusement celui de Jean. En explorant le corps humain, elle nous le fait voir sous un angle nouveau. Il y est fragmenté, atomisé, presque en constante négation de sa propre matière. Il est un voile qui se déchire pour laisser voir l’invisible, l’insaisissable.

La série de ses tableaux sur les musiciens précède de la démarche similaire de décryptage : ses personnages semblent participer à une activité mystique qui n’a qu’un but, la révélation de l’Homme."

luz garcia zielinski

galerista
montreal, CA
texto referente a la muestra "búsqueda de un instante y espacios sonoros"

entrevista a norma ascencio en defecito, TEXTO

esta entrevista me la hicieron para defecito.com a mediados del 2005

Defecito:Menciona dos cosas fundamentales por las cuales decidiste dedicarte a la pintura.

Norma:Yo estudié diseño gráfico, en esa época comencé a sentir un vacío en esa disciplina, un vacío de expresión. Pensé llenarlo estudiando la maestría y cursos de historia del arte… pero no funcionó, había una necesidad de expresarme, pero en otra vertiente.

Al final de la carrera, cuando cursé la materia de dibujo al desnudo, algo se movió dentro de mi…realmente gozaba haciendo eso… mucho más que diseñando. Con el paso del tiempo y los nuevos estudios, quedé realmente convencida que mi lenguaje eran las artes plásticas.

Algo más que me ayudó a elegir este camino fue la convivencia con él… desde niña crecí rodeada de arte en general y pintura en particular, creo que la tuve siempre tan cerca que no la veía, y fué hasta un momento de crisis (existencial, sentimental y profesional) cuando pude hacer un alto, cuestionarme y decidir cambiar de rumbo mi vida de manera total… y heme aqui, entregando mi nueva vida a la pintura!

Defecito:¿Cuál es tu postura frente al arte y qué elementos centrales pueden caracterizar a tu obra?

Norma:Abrir los ojos y la mente al arte… por supuesto que no todo en el arte me gusta… hay cosas que no entiendo y otras que no me “tocan el alma”, pero… PERO de TODO se aprende, y más en este camino. Cuando pinto, dibujo o hago cerámica todo cuanto sucede a mi alrededor pone una marca en mi trabajo… la música que escucho al trabajar, el libro que estoy leyendo, la charla con los colegas y amigos… todo eso influye en mi obra.
Que me caracteriza? El trazo expresionista, el gesto… los temas van y vienen, pero la fuerza y expresión de tus manos en la obra, esa se queda, y si cambia es por que uno esta cambiando interiormente.

Defecito:¿Cuáles son tus principales influencias (personas, teorías, situaciones, etc.) artísticas?

Norma:El amor de mi familia a las artes en general, esa es la primera y más fuerte influencia que he tenido… a los lados (¡no atrás!) van: Remedios Varo (siendo bebé no quitaba los ojos de una reproducción que teníamos de “ruptura”) después llegó Vincent van Gogh y ¡nada volvió a ser igual! Luego mi maestro, José Barbosa, y su entrega total y apasionada a la pintura.

Fuera de lo pictorico la música es lo que sigue en influencia, el tango, el blues, jazz, rock… todo lo que me mueva emocionalmente o me cree atmósferas .También los sueños que aún no logro materializar, pero que están esperando pacientemente a que les llegue el momento. Cada día trato que mis ojos se abran más, al igual que mi capacidad de percibir senciblemente mi alrededor. En fín…¡la lista de influencias sería enorme y siempre injusta!

Defecito:Desde tu perspectiva como artista háblanos sobre algún aspecto de tu experiencia artística en DF.

Norma:No es fácil, soy nacional y no es fácil. Hay que buscarle mucho y por muchas partes. Aqui en el DF he experimentado las galerias alternativas… cafés, lugares pequeños con ganas de promover las artes y no solo decorar. Tambien he expuesto en alguna galeria de CONACULTA … pero para llegar alli tienes que saber con quien y tener aunque sea un pequeño contacto, alguien que te diga con quien entrevistarte, quien es el que decide. Paradojicamente en el extranjero (Montreál y Roma) ha sido relativamente fácil y lo relativo es por el costo de viaje y traslado de la obra.

Y bueno, ahora tenemos una gran ayuda… el Internet, gracias a ella he conseguido expos fuera y dentro de México… es un aliado en la difusión, gracias a sitios como este, y con la facilidad de crear uno mismo su sitio o su blog ¡todo eso ayuda!

entrevista a norma ascencio en ciudad spam, TEXTO

esta entrevista me la hicieron para ciudad spam el 14 de febrero del 2006

20060214

Esta expo muestra la vision de cada una de nosotras, que es distinta entre si... es como una platica entre cuatro artistas -tres mexicanas de tres generaciones (Pamela Tinoco: 80's, Norma Ascencio: 70's y Monica Polin: 60's) y una quebecoise (Genevieve Saumier) tambien nacida en los 70's- que gira en torno a la ciudad... explica via electronica Norma Ascencio respecto a Tetralogo urbano colectiva pictorica inaugurada el 9 de febero en el Museo Diego Rivera Anahuacalli.

Asi que nuestra vision es ya de entrada distinta... pero con el "lazo" de la ciudad. En mi caso es una especie de collage pictorico en el que se encuentra la agresividad de la ciudad, su arquitectura y paisaje, y tambien el disfrute y reflexion de la gente que la habita". Esta reflexion, anhade, va "hacia dentro de uno mismo, para aprender a vivir dentro de el caos que implica vivir en una ciudad del tamanho de esta... para poder disfrutarla y sobrevivirla.

Te consideras una cronista de tu entorno?

De cierta manera, ya que pinto de acuerdo a mis experiencias, luego entonces, aun sin proponermelo, estoy haciendo una cronica de lo que me rodea. En realidad creo que la mayoria de los creativos somos cronistas de nuestro tiempo.

Existe la percepcion, en gran parte gracias a los media de que la ciudad (de Mexico) es como un epicentro de violencia. Ustedes como la perciben?

Yo no lo creo asi... no puedo hablar por mis compañeras, pero si puedo decir que su obra no refleja violencia. en todo caso la mia lo hace, en algunos cuadros, pero no estan representando la violencia tipo "te van a asaltar o secuestrar" sino una violencia mas intima... la que surge de las emociones de los habitantes del convivir con otras personas en un ambiente lleno de presiones y acelere; por eso tambien quise representar el otro lado de la moneda... la tranquilidad de tomar un cafe, de sentarse en una azotea a reflexionar sobre uno mismo y leer... la de ver un a hermosa luna enorme emergiendo de entre los edificios.

En que parte de la ciudad vives?

En el sur... por el Estadio Azteca... pero me muevo mucho en Coyoacan y en la Roma. Soy romana de corazon.la pregunta va en el sentido de que, estaras de acuerdo?, el D.F. es muchas ciudades... claro!!!Es como... una meta-ciudad... dentro de ella hay muchisimas ciudades, incluso pueblitos. esa es parte de la magia del df; por eso es tan distinto para cada quien, depende de donde te muevas el si es peligrosa o amable, bonita o fea... caotica o ...caotica siempre esCrees que a los defeños nos hace falta estimar al D.F.; y por supuesto a los demas habitantes...? Creo que nos hace falta abrir muestra vision, quitarnos prejuicios y ver realmente que es lo que sucede dentro de ella porque la gente se comporta como lo hace en la calle... la ciudad nos afecta animica y emocionalmente. Eso se refleja en nuestra interaccion con otros. Sin duda nos deberiamos estimar mas, estimar a la ciudad, pero para que ello suceda tenemos que entender que es lo que pasa con la ciudad y sus habitantes.

(sin animo de promover el voto) Consideras que los defeños somos representados por la oferta politica?

(jajaja aclaro soy apolitica... mas bien, no hablo de politica) ay! (... a mi pesar y contra mi costumbre respondo) No, no lo creo, al menos yo no me siento representada en absoluto.
piensas, entonces, que el arte aun puede cambiar las cosas? No... creo que cada quien puede cambiar las cosas. El arte no lo hara, seria bonito, pero hay que ser realistas y el cambio no lo da el arte. El cambio lo da cada uno siendo impecable en lo que hace, siendo consiente de los otros y etico.

finalmente, como imaginas que ser ale D.F. en un futuro, digamos en el 2025 ?

hijole... da miedo esa pregunta... porque al paso que vamos, todo parece apuntar a mas caos, pero creo que tambien para entonces podiia darse que muchos de los jovenes que actualmente vivimos en ella nos veamos obligados a emigrar a otras ciudades, lo cual me da la esperanza de que las cosas mejoren al haber menos concentracion de gente ... ojala asi sea! ... de cualquier modo, el DF siempre sera una ciudad que atrae, a la que odias y amas al mismo tiempo... y yo siempre la llevare como parte de mi esencia ...para bien o para mal.

Norma, muchas gracias por esta cibercharla...

No, gracias a TI =)

Cita: el grabado en linoleo de Picasso

este texto lo copie del sitio www.picasso.fr , que lo disfruten!

En 1948, Picasso conoce a Hidalgo Arnera, impresor en Vallauris y experto en el grabado en linóleo. El artista ya conocía esta técnica, que utilizó para crear "Cabeza de mujer" en 1939, pero no siguió en esa línea. Hasta que, en 1954, Picasso decide volver a trabajar en ella y confía a Arnera la realización del cartel de una corrida de toros y del póster de la exposición de los ceramistas de Vallauris, que grabará él mismo en el linóleo. Es el comienzo de una aventura que durará cerca de 10 años, y que verá nacer más de 200 grabados de linóleo.
En esta época, Picasso ya es un experto en la técnica del grabado. Asimila rápidamente los métodos tradicionales para luego dejarlos atrás, inventando constantemente nuevos procedimientos, animando a Arnera a superarse a sí mismo, hasta detenerse definitivamente, sin duda porque creía que ya había agotado todas las posibilidades.
La materia prima de este tipo de grabados es un linóleo idéntico al empleado en nuestros cuartos de baño o cocinas, sólo que más grueso. Para trabajarlo con más facilidad, el linóleo se fija sobre una tabla de madera, llamada "plancha".
La técnica es igual a la de la xilografía o grabado en madera: se dibuja quitando el material (haciendo una incisión en el linóleo), y sólo se estampan las líneas y superficies que quedan en relieve. Picasso utiliza la gubia, herramienta clásica, combinada con el cortaplumas (para labrar los trazos más finos) y el raspador para los contornos. Graba una placa para cada color. Para obtener el dibujo final, se sobreimprimen en la misma lámina todas las placas. Generalmente, se empieza por estampar los colores más claros y luego los más oscuros. Picasso a veces invierte el proceso, obteniendo colores más vibrantes y menos uniformes (así, el gris se forma superponiendo el blanco al negro).

En esos 10 años, se distinguen 3 periodos de trabajo:
- 1954: Picasso graba en linóleo según la técnica tradicional, un color por plancha. Aunque suele preferir los grabados bicolores, Picasso utilizará hasta 5 planchas para su "Busto de mujer (según Cranach)" de 1958.
- 1959: Picasso inventa un nuevo método: una sola plancha para todos los colores. Va grabando toda la composición sobre la misma plancha, imprimiendo cada color después de cada modificación. Este procedimiento es irreversible, el linóleo va desapareciendo con cada modificación. Además, obliga a Arnera a modificar la composición química de sus tintas para que se superpongan sin mezclarse demasiado…
- 1963: Las pruebas lavadas: Picasso recupera antiguas planchas que imprime en crema sobre papel blanco, después aplica tinta china sobre todo el papel y luego lo pone bajo la ducha: la tinta grasa de imprenta (crema) repele la tinta china (negra)que "chorrea" por el papel "lavado" con agua y tinta, quedando ligeramente teñido.
Después, Picasso a veces realza con negro o con colores estas planchas lavadas.
Casi todos sus grabados en linóleo han sido objeto de una tirada.

Hay dos tipos de obras:
- Los carteles: editados con ocasión de exposiciones o de corridas de toros, para la asociación de ceramistas de Vallauris, el museo de Céret u otros… las tiradas más importantes oscilan entre 800 y 150 ejemplares.
- Los retratos, bodegones, desnudos o bacanales… tienen tiradas variables, no superiores a 50 ejemplares. Las planchas lavadas son las más escasas, nunca más de una decena. Sólo las tiradas inferiores a 75 ejemplares, firmadas y numeradas, están sujetas al derecho de participación.

La Luna, Jaime Sabines

La luna se puede tomar a cucharadas
o como una cápsula cada dos horas.
Es buena como hipnótico y sedante
y también alivia a los que se han intoxicado de filosofía.
Un pedazo de luna en el bolsillo
es mejor amuleto que la pata de conejo:
sirve para encontrar a quien se ama,
para ser rico sin que lo sepa nadie
y para alejar a los médicos y las clínicas.
Se puede dar de postre a los niños
cuando no se han dormido
y unas gotas de luna en los ojos de los ancianos
ayudan a bien morir

Pon una hoja tierna de la luna
debajo de tu almohada
y mirarás lo que quieras ver.
Lleva siempre un frasquito del aire de la luna
para cuando te ahogues,
y dale la llave de la luna
a los presos y a los desencantados.
Para los condenados a muerte
y para los condenados a vida
no hay mejor estimulante que la luna
en dosis precisas y controladas

Jaime Sabines

Un texto de Julio Cortázar

He aqui una lección de creatividad... que lo disfruten!

INSTRUCCIONES PARA SUBIR UNA ESCALERA


Nadie habrá dejado de observar que con fre­cuencia el suelo se pliega de manera tal que una parte sube en ángulo recto con el plano del suelo, y luego la parte siguiente se coloca paralela a este plano, para dar paso a una nueva perpendicular, conducta que se repite en espiral o en línea quebrada hasta alturas sumamente variables. Agachándose y poniendo la mano izquierda en una de las partes verticales, y la derecha en la horizontal correspondiente, se está en posesión momentánea de un peldaño o escalón. Cada uno de estos peldaños, formados como se ve por dos elementos, se sitúa un tanto más arriba y adelante que el anterior, principio que da sentido a la escalera, ya que cualquier otra combinación producirá formas quizá más bellas o pintorescas, pero incapa­ces de trasladar de una planta baja a un primer piso.
Las escaleras se suben de frente, pues hacia atrás o de costado resultan particularmente incómo­das. La actitud natural consiste en mantenerse de pie, los brazos colgando sin esfuerzo, la cabeza er­guida aunque no tanto que los ojos dejen de ver los peldaños inmediatamente superiores al que se pisa, y respirando lenta y regularmente. Para subir una es­calera se comienza por levantar esa parte del cuerpo situada a la derecha abajo, envuelta casi siempre en cuero o gamuza, y que salvo excepciones cabe exacta­mente en el escalón. Puesta en el primer peldaño di­cha parte, que para abreviar llamaremos pie, se reco­ge la parte equivalente de la izquierda (también lla­mada pie, pero que no ha de confundirse con el pie antes citado), y llevándola a la altura del pie, se le hace seguir hasta colocarla en el segundo peldaño, con lo cual en éste descansará el pie, y en el primero des­cansará el pie. (Los primeros peldaños son siempre los más difíciles, hasta adquirir la coordinación necesaria. La coincidencia de nombre entre el pie y el pie hace difícil la explicación. Cuídese especialmente de no levantar al mismo tiempo el pie y el pie.)
Llegado en esta forma al segundo peldaño, basta repetir alternadamente los movimiento hasta en­contrarse con el final de la escalera. Se sale de ella fácilmente, con un ligero golpe de talón que la fija en su sitio, del que no se moverá hasta el momento del descenso.

"Historias de Cronopios y de Famas"

Julio Cortázar

Ed. Alfaguara

Texto sobre Mariana Yampolsky, fotógrafa

Ayer vi una entrevista en el canal 22, la agarré empezada... me capturó por las imágenes, unas fotos maravillosas bien mexicanas, luego ya vi que la fótografa era una mujer llamada Mariana Yampolsky que decía haber querido nacer en México... muy curioso oirlo de una mujer con un fuerte acento... gringo.
De modo que hoy, queriendo mostrar el trabajo de esta mujer a un amigo también gringo, me encontré varios sitios con imágenes e información, mi amigo hizo lo propio y me envió el link de donde copio la cita de hoy.
Abajo esta la información completa y un link.

Veinte años de una relación estrecha, me impiden hablar con distancia de Mariana Yampolsky. El trabajo para ella fue un generador de vida y uno de los vínculos más fuertes entre nosotras.En sus mesas de trabajo siempre había cartas, tarjetas, invitaciones, muchos eran para Francisco Reyes Palma, quien también tiene obsesión por guardar papeles, había ahí encima también montoncitos de rollos 120 para revelar, TX, TM, HP5, FP4, no le preocupaba la marca o la sensibilidad ella sabía disparar y lo hacía certeramente.Su más grande deseo era hacer buenas fotografías, imágenes contundentes. Era perfectamente capaz de juzgar la técnica fotográfica, pero no es esta parte de la fotografía una de sus preocupaciones. Prefirió delegar esta tarea a alguien más, y durante lo últimos veinte años de vida de Mariana, esta tarea la asumí yo gustosamente. Veinte años en contacto directo con las imágenes de Mariana. La mayoría, fotos de México, del campo, de los indios. Fue a través de esas imágenes que descubrí al México amable, lleno de vida, de energía, de buen gusto, de gente digna. También los ojos de Mariana ordenaron delicadamente en cada negativo las formas sublimes de los magueyes y de muchas otras plantas con las que yo junte en el cuarta oscuro dándoles volumen, textura, tono.Grandeza y sencillez son las palabras que caracterizan las fotografías de Mariana. Ella logró lo que todo fotógrafo documental desea: sintetizar en sus fotografías información precisa y belleza. Muchasde nuestras sesiones de trabajo eran en su casa de Tlalpan, con Azul, su gato en el regazo, Blanca Nieves y Chaca, sus perras echadas frente a ella en el sillón de su sala, revisábamos cuidadosamente cada copia y veíamos muchos contactos, mientras tanto hablábamos de las fotos, de los fotógrafos de nuestro país y entre contacto, foto y encuadre hablábamos de nuestras vidas, de nosotras, mujeres, amigas y a veces la felicidad nos invadía y en otras escurrían lagrimas de nuestros ojos, así, a través de sus fotos construimos un vínculo de imágenes, amor y solidaridad.Hicimos algunos viajes juntas y fueron viajes no sólo geográficos, no sólo fotográficos, también viajes por la existencia. A Mariana le gustaba cuestionarse ¿Qué es la fama? ¿a dónde te lleva? ¿es válido perseguirla? ¿llega sola? ¿satisface tu ego?.Las conversaciones acompañadas por el ruido del motor de su VW blanco, se prolongaban de pueblo en pueblo, mientras su entusiasmo por tomar fotos crecía. Hacía paradas a cada momento subía y bajaba de su vochito sin cansarse. Tenía un ojo certero. En momentos parecía como si la conversación la absorbiera, pero no, el mundo pasaba por el rabillo de su ojo y veía imágenes toso el tiempo y las atrapaba con su Hasselblad.Después continuaba la conversación: “la fama no es mi objetivo, el trabajo constante y exigente es mi motor, no tenemos que inventar nada, todo esta ahí sólo hay que descubrirlo, fotografiarlo y gozarlo”. Si en alguien he visto lo que es gozar cuando tomaba fotos fue en ella, en Mariana. Encontraba en su pueblo, en México la seriedad y el buen humor para crear sus fotografías, amorosas, divertidas y honestas.Todos sabemos que se preocupó por el tremendo cambio cultural que México está sufriendo, esto le dolía, no se acostumbro a ver los letrerotes de Coca Cola, ni los aparadores atiborrados de Mikey Mouse y de Barbies y siempre se preguntaba cual sería la forma de contrarrestar esta avalancha y entonces tomaba fotos muy mexicanas y seguía cuestionándose “ ¿Porqué siendo tan inmensamente vasta y hermosa la arquitectura popular mexicana, crecía tan desmedidamente la arquitectura del horror?”. Y también la fotografiaba. Y para contrarrestar la arquitectura del horror nos dejó un importante legado de fotografías de arquitectura popular para que de ahí tomáramos ejemplos, de funcionalidad, sencillez y buen gusto. Disciplinadísima guardo sus negativos y documentos en carpetas, creó un gran archivo de negativos y unamuy buena cantidad de cajas de memorabilia. Dedicaba diariamente muchas horas a ponerlo todo en su lugar, abrumada guardo papeles y contestó llamadas, muchas llamadas, pues en los últimos tres años evitó lo más posible las salidas de su casa y era el teléfono lo que la mantenía cerca de los demás. Estaba olvidando las cosas, no se sentía cómoda, estaba angustiada. “No me gusta quedar mal, decía, que pendientes tenemos, olvido las cosas”. Repetía insistentemente, y el teléfono sonaba varias veces durante el día en Pachuca, ¿Qué pendientes tenemos?.

Alicia Ahumada Salaiz
Miembro fundadorFundación Cultural Mariana Yampolsky, A.C.

Texto de Alicia Ahumada Salaiz:

Ponencia para la exposición "Evocaciones"

Museo Rufino Tamayo

Citando del sitio: http://www.marianayampolsky.org/frame_esp.html

Citando a Francisco Corzas... de la pintura y el desnudo

aqui un fragmento de una entrevista de Cristina Pacheco a Francisco Corzas...

Francisco Corzas: …El trabajo no es tan difícil cuando viene un momento de arrebato, cuando pinto impulsado por una fuerza que no sé cómo describir.

C. P.: Y cuando esa fuerza no se manifiesta, ¿quedas inactivo?

F. C.: No, porque entonces recurro a mis procedi­mientos personales, a las técnicas que conozco. Yo no podría improvisar si no dominara bien una brocha, un pincel, una espátula. No es que las domine tan bien, es que soy su propietario, las manejo: yo las conduzco y no al revés.

C. P.: El proceso de que me hablas es terrible.

F. C.: Ser pintor es terrible porque de la nada vas a la nada, si piensas que la nada es la creatividad.

C. P.: Pero hay un punto en que la nada se convierte en arte.

F. C.: Lo que hace el pintor, 1o que hago, es romper el espacio de la tela vacía. Entro en él armado de color, sólo de color. Soy un expresionista. Antes de comen­zar mi trabajo no tengo planes. Ya te lo dije: entro en la nada de la tela vacía a través del color. Y entonces lo esparzo y allí comienzo a trabajar mí mundo; de eso, que en primera instancia parece algo abstracto, surgen mis personajes... Pero allí va naciendo, va comenzan­do todo, porque cuando entro en la tela desciendo a mis antros.

C. P.: ¿Qué es para ti el desnudo?

F. C.: Lo considero un lenguaje. Hay varios riesgos: puede uno irse a un estilismo o a algo que puede con­vencer a quince o veinte personas. Pero no es eso lo que busco. Quiero pintar la desnudez, el ritmo fasci­nante del cuerpo. Es un género muy difícil. Es más, hay pocos desnudos que realmente admiro.

C. P.: De los que conoces, ¿cuáles codicias?

F. C.: Primero que nada el desnudo de Velásquez y casi todos los de Modigliani. El desnudo de Velásquez es la luz... Es difícil explicarte cómo entiendo estas (osas. Sólo pintando podría explicártelo. Lo que buscado son los reposos insólitos de la mujer, lo que trato de reproducir es la actitud de reposo de su cuerpo.

C. P.: ¿Eso implica un concepto de lo que es la mu­jer?

F. C.: No. Expresa mi idea del desnudo, que para mí es como el despertar de Adán, despertarse en la dicha.

C. P.: ¿Te interesa pintar a la mujer dormida?

F. C.: No, reposando... A la mujer hay que dejarla reposar, pero nunca hay que permitirle dormir porque entonces se repone y te hace pedazos -Francisco ríe, satisfecho de una salida que quita formalidad a sus pa­labras-.

"La luz de México" entrevistas con pintores y fotógrafos

Cristina Pacheco

FCE

Citando del capítulo "Francisco Corzas: la expresión es la mano"

pag.192

Citando a Rufino Tamayo... declaración de principios.

Aquí tienen un fragmento de un texto de Cristina Pacheco, quien publica una charla con Rufino Tamayo… abajo la información completa por si la quieren íntegra.

Espero sus comentarios!

He querido expli­carles mis circunstancias, mi trayectoria, los momentos con los que construí el tiempo general de mi obra. Una obra hecha a base de constancia y trabajo sobre las bases de una teoría personal que alguna vez -en una conversación con Víctor Alba- quedó asentada en una especie de declaración de principios aunque en realidad no pretendo decirlo:

"1. Partir de la idea de que la pintura es un vehículo propio, personal, de expresión, independientemente de que sea buena o mala.
"2. Trabajar con humildad, es decir, tener el orgullo de soportar el aislamiento, el silencio, la soledad, y so­bre todo la dureza del trabajo y las privaciones.
"3. Pintar no para vivir, sino porque se tiene necesidad de hacerlo.
"4. No tener prisa.
"5. Ser ciego para los obstáculos que colocan en el camino la envidia y la rivalidad.
"6. Preguntarse de una vez por todas: “¿Qué es la pintura?', y estar seguros de la respuesta. Cuando se tiene, ya no existen problemas ni peligro de seguir por caminos torcidos. Anteponer los problemas plásticos a todos los demás.
"7. No descartar la existencia de otros problemas, ya que puede haber otros valores además de los plásticos. No hay que desdeñarlos ni ignorarlos, pero mucho menos hay que anteponerlos.

1980 _

“La luz de México” entrevistas con pintores y fotógrafos
Cristina Pacheco
FCE

Capìtulo: Tamayo por Tamayo
Pag. 588

citando "el contrabajo" de Süskind

Y sólo así es posible la música, por que en esta tensión que abarca de aqui para
allá y de arriba abajo, acontece todo cuanto tiene sentido en la música, se
engendra el sentido y la vida musical, la vida, en definitiva.

"El contrabajo"

Patrick Süskind

texto "en memoria de Blaise Cendars" H. Miller

"Oh Jesús, si no eres un mito
si un día habitaste en la tierra
y conmocionaste el planeta con tu pureza y caballerosidad.

Si todavía habitas entre los muertos
si alguna magia te ha quedado
protege a los miserables ciudadanos de una tierra podrida

Una tierra de poder y violencia llamada América
protege a los pobres negros, a los desheredados mexicanos

A los artistas que debaten en vano
diles que hay un mañana
como hubo un ayer

Di más, canto de eternidad
una eternidad no de salvación
sino de vida, de una vida superior
donde el poder ya no tenga cabida
ni la piedad o la debilidad
sólo la creatividad en cuyas manos descansa el artista
diles que puede haber una resurrección
no de los muertos sino del espíritu eterno
que inspira a los pájaros su canto
a las flores de su deslumbrante fulgor
al cielo y las estrellas el asombro
devuélvenos todo eso intacto
tal y como nos vino de las manos del creador"

Henrry Miller

"Querida Brenda"
Las cartas de amor de Henrry Miller a Brenda Venus.